SPIDER-MAN L'EMPIRE 2 : KAARE ANDREWS ET LA SUITE DU "REIGN"

 Kaare Andrews persiste et signe : Spider-Man: Reign 2 n’est pas là pour caresser les fans dans le sens du poil (d’araignée). Après avoir scandalisé et fasciné avec son premier Empire — une dystopie crépusculaire où Peter Parker tuait accidentellement Mary Jane à force de trop l’aimer (littéralement) — voici la suite, et c’est peu dire qu’elle débute dans un climat de dépression la plus totale. Dès la première page, le Caïd surgit des ruines de l’Empire State Building, pas mort du tout, mais affamé au point de croquer un être humain pour reprendre des forces. On est dans l'exagération hardcore, avec un Wilson Fisk bestial dont l’ambition n’est plus de diriger New York, mais d’en devenir le roi, façon tyran biblique sous stéroïdes. Le trait de Kaare Andrews, rehaussé des couleurs granuleuses de Brian Reber, joue la carte rétro, avec des corps et des poses tirés des années 1990 et une esthétique qui évoque les grandes heures de Dark Knight Returns. Sauf que chez Andrews, tout est plus sale, plus fou, plus outrancier. Au cœur de ce délire post-apocalyptique, un Peter Parker vieilli, ridé, usé jusqu’à la moelle, lové dans une réalité virtuelle où il vit heureux avec une Mary Jane fantasmée. Branché à des tuyaux et enfermé dans un cocon d’illusions, il refuse le monde réel. Jusqu’à ce qu’une nouvelle version de Black Cat vienne jouer les infirmières de choc et le réveille sans lui demander son avis. La méthode est rude. Le Spider-Man qui renaît est hagard, à moitié nu, barbu comme un gourou survivaliste et peu porté sur la subtilité. S’ensuit une fuite psychédélique dans une ville gangrenée par la folie, avec des Bouffons miniatures (Norman Osborn aussi sera brièvement de la partie), de la violence à tous les niveaux, des ennemis historiques bodybuildés jusqu’au ridicule, et des morts gratuites, dont certaines sont presque parodiques (Jameson qui dégaine un fusil à pompe pour tirer sur Spidey et abat Robbie Robertson, on n'invente rien).

Reign 2 joue la surenchère permanente. Violence graphique, twists en rafale, timeline bancale, histoire délirante : l’ensemble a des allures de cauchemar éveillé où les repères explosent. Ce sera le grand point fort du travail d'Andrews, la raison pour laquelle beaucoup vont adorer, tandis que beaucoup d'autres vont détester. Peu importe les raisons rocambolesques qui permettent cela, Peter va avoir l'occasion de revenir en arrière et d'effacer la mort de Mary Jane. S'il avait su la laisser partir, peut-être n'aurait-elle pas succomber à la maladie, les choses auraient pu être fort différentes… seulement voilà, dans cette nouvelle réalité qui attend le Tisseur, il y a aussi une version inédite de Venom qu'il va falloir affronter, tout en composant avec la présence de Miles Morales, qui a lui aussi connu une existence tragique et qui a bien changé depuis le personnage gentillet que nous connaissons. Andrews s'amuse avec de nombreux points de l'histoire que nous avons tous en tête, à commencer par le Spider-Man de McFarlane, pour brouiller les pistes, redistribuer les cartes, revenir en arrière, pour nous raconter ce qui aurait pu être ou plutôt ne sera jamais, en raison de la malédiction de Parker, ici portée à son paroxysme au niveau de ses conséquences. Peu importe si le scénario n'est pas toujours très clair, si par moments ce que l'on lit semble perdre un peu de sens, ce qui est en jeu ici, c'est la représentation graphique explosive qui caractérise son travail, qui a subi une évolution ultérieure depuis l'Empire (premier du nom), au point de devenir aujourd'hui une version survitaminée et postmoderne des années 1990. Alors oui, c'est clairement brouillon, ça n'est pas quelque chose d'indispensable, mais pour autant, le produit fini à quelque chose de fascinant dans son imperfection. Notez que vous pouvez trouver une édition présentant les deux histoires, premier et second récit, disponible chez Panini Comics, dans un coffret pour 39 euros.

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ABSOLUTE BATMAN TOME 1 : LE ZOO (SNYDER ET DRAGOTTA POUR UN BATMAN EXPLOSIF)

 Et si Alfred Pennyworth n’était pas ce majordome flegmatique qu’on a toujours connu ? Et si, au lieu de préparer chaque matin le petit déjeuner de Bruce Wayne, il crapahutait dans les bas-fonds de Gotham, en véritable agent secret sorti d’un vieux roman de John le Carré ? C’est le point de départ d’Absolute Batman, une nouvelle manière d'aborder l'univers du Dark Knight, signée Scott Snyder et Nick Dragotta, qui secoue les fondations mêmes du mythe. Ici, oubliez les perles de Martha, le manoir gothique et les gadgets sortis de la Bat-cave familiale. Bruce Wayne, version Absolute, est un gros gaillard ouvrier/architecte, élevé par sa mère (toujours vivante, et adjointe au maire Jim Gordon), qui tape sur des clous la journée et sur des voyous la nuit. Sa base d’opérations ? Crime Alley. Sa salle d’entraînement ? Une salle de sport de quartier tenue par un certain Waylon Jones (que vous connaissez). Ses amis ? Selina, Harvey, Ozzie et Edward… des noms qui sonnent curieusement familiers. Et quand ce Bruce endosse le masque, ce n’est pas pour faire de la figuration. Sa cape sent la sueur, son armure est faite de bouts de tôle et de technologie de récup, et son emblème de chauve-souris ? Une hache stylisée qui ferait rougir Rob Liefeld lui-même. Bienvenue dans une Gotham post-industrielle, aussi crade que crédible, où la criminalité se déchaîne sous l’égide des Bêtes de Soirée, une bande bigarrée menée par un Black Mask plus déchaîné que jamais. En face, Alfred. Loin de servir le thé, il infiltre, il manigance, et il observe ce Batman de l’ombre, se demandant s’il est un allié ou une menace. Ce jeu du chat et de la chauve-souris installe une tension narrative étonnamment riche, entre deux personnages destinés à se rapprocher, ça va de soi, mais dont les méthodes et les objectifs différent, dans un premier temps. Graphiquement, Nick Dragotta se lâche. Les scènes d’action explosent comme des feux d’artifice de muscles et de tôle froissée. C’est fluide, c’est puissant, et parfois délicieusement too much. Le tout baigne dans une esthétique "années 1990 boostées aux hormones" entre clins d’œil postmodernes et gros sabots assumés.

Absolute Batman, c’est un peu comme si Frank Miller avait pris un café (très serré) avec Mark Millar, en relisant un bon paquet de comics des années 1990. Loin d’être une simple redite, ce nouveau départ targué Absolute ose, bouscule, et surtout réinvente le mythe à sa façon. Ce qui fait la force de ce Batman là, c'est-à-dire la décomplexion totale au niveau de l'histoire et du dessin, peut aussi être son talon d'Achille, notamment pour tous les pisses froid ou ceux qui sont allergiques au travail de Scott Snyder. Celui-ci continue d'œuvrer sur un personnage qu'il connaît très bien et il en renouvelle encore la personnalité, mais aussi le background, tout en conservant son caractère inflexible et une manière expéditive d'agir. J'ai déjà parlé de Martha, la mère de Bruce Wayne, mais il convient de dire que c'est ici son père, simple enseignant qui rêvait pourtant d'une carrière de grand chirurgien, qui a connu tragiquement la mort lors d'une sortie au zoo de Gotham. C'est d'ailleurs en cherchant refuge dans une sorte de dépôt à chauve-souris que le petit Bruce a fait la rencontre des chiroptères qui vont l'inspirer pour devenir la grande figure de la lutte contre le crime dans sa ville. Plus que de crime, en fait, parlons de décadence, de délitement de la société : tout ici est plus violent, tout ici semble exagéré et en même temps furieusement contemporain, étant donnée l'époque trouble à laquelle nous vivons. Cerise sur le gâteau, l'emblème sur le costume de Batman, donc, qu'il est possible de détacher et qui est en fait une plaque thoracique de métal, qui se transforme en une hache tranchante, au besoin ! Vous l'aurez compris, le Batman Absolute n'est pas là pour plaisanter et son titre se présente comme un comic book qui appuie sur l'accélérateur, une descente pied au plancher dans les méandres d'une Gotham plus corrompue que jamais, avec comme seule paladin un justicier privé de la proverbiale et colossale fortune qui l'assiste en temps normal, mais toujours animé par une croisade qui ne connaît ni pose, ni atermoiement. Sortie le 30 mai, pour finir le mois en fanfare et fureur, chez Urban Comics.

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WILSON NEBULA (PERDUE DANS L'ESPACE) : CHEZ UPPERCUT EDITIONS

 Wilson Nebula est un sacré gazier. Un type à part, une sorte de croisement improbable entre Peter Quill des Gardiens de la Galaxie et le mythique Cobra de Terasawa, avec lesquels il partage une coolitude à toute épreuve. Le genre de personnage capable d’affronter les situations les plus absurdes et les plus périlleuses avec un sourire désinvolte et un détachement total. D’ailleurs, il ne se prive pas de savourer un bon pétard cosmique, roulé avec des substances hallucinogènes aussi particulières qu’exotiques — l’une de ces trouvailles graphiques qui donnent tout leur charme à une bande dessinée décalée et attachante. Le lecteur fait sa connaissance alors qu’il débarque sur une planète à la végétation luxuriante… et psychédélique. Cette jungle étrange regorge d’une plante appelée Divinia, sorte de cannabis spatial puissance mille, qui offre à Wilson l’occasion rêvée de démontrer son talent pour mater la faune locale, de manière aussi expéditive qu’hilarante. Car oui, on va sourire, souvent, et même franchement rire au fil des pages. L’humour, parfois situé en dessous de la ceinture, n’en reste pas moins léger, coquin, jamais vulgaire — et surtout diablement efficace. À un moment, nous voilà même face à une sorte de parasite spatial, qui s’attaque directement aux parties intimes de ses hôtes pour se reproduire… Et le traitement que Wilson va imaginer pour s’en débarrasser est, disons-le franchement, quelque chose que vous n’avez probablement jamais lu ailleurs. Mais l’album ne se résume pas à un simple délire bubble gum. Il y a aussi une quête. Une vraie. Notre aventurier cosmique est en effet lancé à la recherche de sa fille, mystérieusement disparue. Une mission qu’il accepte à la demande — expresse et pressante — de sa mère : rien de moins que la reine plantureuse des Amazones rouges. Quitte à défier le gouvernement intergalactique.

Il y a des quêtes mythiques qui défient le temps, l’espace et la logique : Ulysse voulait rentrer chez lui, Dante descendait aux Enfers, et Wilson Nebula... cherche sa fille paumée quelque part dans le cosmos, accompagné d’une IA qui semble sortie d’une version futuriste sous acide de ce cher Chat GPT. Fred Mansour, au scénario, nous livre un récit qui joue joyeusement à saute-mouton avec les genres : c’est de la SF, oui, mais aussi un western déglingué, un thriller familial, et parfois même une pub déguisée pour les champignons hallucinogènes. On pourra juste regretter que le dernier tiers de l'album ait un aspect un peu plus brouillon que ce qui a précédé, ou en tous les cas moins fluide pour le lecteur curieux. Côté dessin, Gianenrico Bonacorsi balance la gomme : c’est dense, détaillé, parfois baroque, souvent déjanté. Les planètes ont l’air de cauchemars peints sous champi (la couleur de Claudio Palescandolo fonctionne à merveille), les aliens semblent avoir été imaginés par un enfant de six ans et un biologiste aviné, et les vaisseaux obéissent à une physique qui n'est pas à votre portée. Mais ça fonctionne. L’univers visuel déborde de personnalité, et on est séduits par le boulot abattu. Bonacorsi s'est déjà fait remarqué dans des registres différents chez Glénat (des adaptations de mythes grecs) et pour sa capacité aussi à représenter des scènes érotiques ou qui interpellent. En tous les cas, cet italien désormais bien installé à Paris est de ceux qu'il faut garder à l'oeil, assurément. Le récit file à toute allure, comme s’il cherchait à glaner une amende pour excès de vitesse intergalactique. Au point qu'on arrive vite à son terme, avec la promesse d'un tome 2 qui passe d'abord par la case du financement participatif (un QR code vous y mènera). C'est avec Wilson Nebula que j'ai découvert l'éditeur Uppercut, dont je n'avais encore jamais eu un ouvrage entre les mains, et la certitude est que j'y reviendrai à l'avenir. Et vous ?

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LE PODCAST LE BULLEUR PRESENTE : LA TRILOGIE BERLINOISE (La pâle figure)

 Dans le 199e épisode de son podcast, Le bulleur vous présente La pâle figure, deuxième tome de La trilogie berlinoise que l’on doit au romancier Philippe Kerr et qu’adapte Pierre Boisserie au scénario, François Warzala, un ouvrage publié aux Arènes BD. Cette semaine aussi, le Bulleur revient sur l’actualité de la bande dessinée et des sorties avec :

- La sortie de l’album La force de vivre que l’on doit à Laurent Astier et aux éditions Rue de Sèvres

- La sortie de l’album Deux femmes que l’on doit au scénario d’Arnaud Le Gouëfflec, au dessin de Laurent Richard et qui est édité chez Glénat

- La sortie de l’album La Muette que l’on doit au scénario de Valérie Villieu, au dessin de Simon Géliot et c’est édité chez La boite à bulles

- La sortie de l’album La rose et l’olivier que l’on doit à Mélaka, qui parle des amère Gudule, un titre édité chez Delcourt dans la collection Encrages

- La sortie de Soixante ans de solitude, quatrième et dernier tome de la série Charlotte impératrice que l’on doit à Fabien Nury au scénario, Matthieu Bonhomme au dessin et c’est édité chez Dargaud

- La réédition en intégrale de La déconfiture, album que l’on doit à Pascal Rabaté et qui est édité chez Futuropolis.

 

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SENTRY LA SENTINELLE : PAUL JENKINS ET JAE LEE POUR UN VRAI MUST HAVE

 Après avoir abordé la renaissance du personnage, remontons de quelques années pour retrouver la toute première mini-série consacrée à Sentry, écrite par le Britannique Paul Jenkins. Nous voici au cœur du problème : ce personnage existe-t-il réellement, ou bien n’est-il que le fruit des délires d’un homme d’une banalité affligeante, qui confond alcoolisme, bouffées psychotiques et souvenirs d’un passé de super-héros dont dépendrait, rien que ça, le destin du monde ? La question est cruciale, car Sentry est censé avoir existé. Il aurait été l’ami de la plupart des super-héros de l’univers Marvel. On découvre par exemple que Mister Fantastic fut son témoin de mariage, ou encore qu’il entretenait des liens étroits avec des figures comme Hulk ou Spider-Man. Seulement voilà : aucun d’entre eux ne semble se souvenir d’avoir partagé quoi que ce soit avec ce colosse blond en costume doré, qui sauve la planète un jour sur deux. Il y a une raison à cet oubli. Certains super-héros, parfaitement conscients de l’existence de Sentry, ont volontairement choisi d’oublier ce qui s’est passé. Car s’ils devaient un jour retrouver la mémoire, ce serait forcément le signe qu’une catastrophe d’ampleur cosmique est en train de se profiler — à savoir le retour de Void, l’alter ego maléfique du plus grand héros de tous les temps. À moins, bien sûr, que Void ne soit qu’une autre facette de lui-même, née lorsque sa psyché vacille et qu’il bascule du côté obscur de la Force… comme on le dit désormais depuis que Star Wars est devenu une référence culturelle planétaire. Nous sommes donc ici face à une mini-série profondément introspective et tourmentée. Petit à petit, le lecteur est amené à comprendre que ce qui arrive à Robert Reynolds est bien réel. Il n’est pas juste un type ordinaire, porté sur la bouteille, dont le mariage bat de l’aile. Il est victime d’un phénomène qui le dépasse, et de très loin. Et de cette prise de conscience pourrait bien dépendre le salut du monde. Ah, et il faut le dire aussi : au dessin, il y a un génie. Jae Lee.

Le travail sur les ombres, la manière de figurer un monde presque expressionniste, où chaque page est à la fois dérangeante et plastiquement fascinante : tout cela fait de ce dessinateur une denrée rare. En tout cas, il était la bonne personne, au bon endroit, au bon moment. Grâce à lui, cette histoire interroge la place et le rôle du mythe populaire, de la mémoire collective, du surhomme tel que nous le montre la tradition des comics américains — ou, tout simplement, l’impact que ces figures peuvent avoir sur l’imagination débridée de leurs lecteurs. Tout cela est mis en scène de manière remarquable, notamment à travers l’usage fréquent de fausses couvertures, pastiches d’anciennes scènes d’action qu’on nous présente comme « canoniques », alors même que l’on sait qu’elles ne se sont jamais produites. Le récit s’inscrit dans le cadre d’une fabuleuse opération de retcon, où l’on peut jusqu’à la dernière page douter de la véracité de ce que l’on nous donne à lire. Cerise sur le gâteau : l’idée qu’un traître pourrait avoir activement contribué à la longue éclipse de Sentry — et que ce traître pourrait même être l’un de ses meilleurs amis. Lorsque vient le moment d’affronter Void, et que la bataille finale se profile, le récit se fragmente alors en une série d’épisodes indépendants, chacun centré sur des figures iconiques telles que Spider-Man, les Quatre Fantastiques, Hulk ou encore les X-Men. Chacun de ces héros replonge dans ses souvenirs, dans sa première rencontre avec Sentry, et dans ce que ce dernier lui a apporté : la manière dont il lui a permis de comprendre ce que signifie l’héroïsme, d’évoluer, de se hisser à un autre stade de sa carrière. Les dessinateurs chargés de ces différentes parties sont eux aussi des pointures brillantes, comme Mark Teixeira, Bill Sienkiewicz, Phil Winslade ou encore Rick Leonardi. Inutile de le dire : cet album représente l’un des sommets de ce que Marvel a pu produire durant la période bouillonnante de la fin du XXe siècle et du début du XXIe. Si nous n’avons pas toujours pris la mesure, à l’époque, de la chance que nous avions de lire ces épisodes, nous en sommes aujourd’hui venus à les regretter sincèrement. Le film Thunderbolts aura donc été une excellente occasion, pour Panini, de nous reproposer ces petits trésors qui n’attendaient que d’être redécouverts.

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SENTRY RENAISSANCE : LE SUPER-HEROS QU'ON AVAIT OUBLIÉ

 Tout a commencé en l’an 2000, dans les pages du magazine Wizard. Ce grand malin de Joe Quesada venait de faire une annonce assez spectaculaire : Marvel avait retrouvé d’anciennes planches mettant en scène un super-héros inventé dans les années 1960, puis tombé dans l’oubli. Ce personnage oublié aurait été créé par nul autre que Stan Lee, en collaboration avec un mystérieux dessinateur au nom improbable : Artie Rosen. Évidemment, tous ceux qui connaissent un tant soit peu l’histoire de la Maison des Idées ont vite flairé l’arnaque : ce "Artie Rosen" n’était qu’un habile pseudonyme, sorte de synthèse entre Artie Simek et Sam Rosen, deux des célèbres lettreurs de l’écurie Marvel à l’époque bénie de Stan Lee. Car oui, le fameux héros en question — celui que nous connaissons aujourd’hui sous le nom de Sentry — n’a jamais existé. Toute l’opération relevait du coup de bluff éditorial, audacieux et assez excitant sur le papier. Le concept : introduire dans la continuité Marvel un super-héros surpuissant, en faisant croire aux lecteurs qu’il avait toujours été là, mais que l’univers entier — héros et lecteurs compris — avait oublié son existence. En somme, les Fantastiques, les X-Men, Spider-Man, Tony Stark… tous connaîtraient Sentry — mais aucun ne s’en souviendrait. Sentry, c’est une entité triple. D’abord, il y a Robert Reynolds : un homme tout à fait ordinaire, insignifiant même, sans qualités apparentes. Sauf que Bob a un alter ego : Sentry, un super-héros littéralement invincible, rivalisant avec Superman en termes de puissance — voire le surpassant. Il est décrit comme possédant "la force d’un millier de soleils explosant en même temps". Rien que ça. Et puis, il y a Void. L’ombre. Le double maléfique. Le revers de la médaille. Une entité destructrice, criminelle, incarnation du chaos — susceptible de provoquer un cataclysme planétaire si jamais elle était relâchée. En clair, Sentry est un héros torturé, instable, un équilibre précaire entre lumière et ténèbres. C’est précisément cet aspect psychologique que Paul Jenkins explore avec brio. Le personnage est en proie au doute permanent, rongé par la peur de ne pas être aimé pour ce qu’il est vraiment, mais uniquement pour son identité héroïque. Cela se manifeste notamment dans sa relation avec son épouse, Lindie, finement écrite. L’un des moments les plus troublants survient lorsqu’elle lui demande, sous couvert d’un jeu, de venir au lit… en Sentry. Elle se justifie en lui expliquant que c'est le même mécanisme qui le pousse à adorer la voir porter de la lingerie sexy. Sauf que ce costume, c’est lui, ou du moins une partie de lui, qu’il ne contrôle plus vraiment.

Bob vit un calvaire. Il perçoit, en temps réel, chaque drame, chaque accident, chaque cri de détresse aux quatre coins du globe. Et il sait qu’au moindre moment de relâchement, au plus petit instant de repos qu’il s’accorde, des vies seront perdues — des vies qu’il aurait pu sauver. Son existence n’est donc qu’un dilemme permanent : se reposer, ou voler au secours du monde entier. Même ses interventions doivent être choisies, et ses choix ont des conséquences parfois lourdes, que l'opinion ne saurait voir ou peser. Toute cette aventure est profondément psychologique, ce qui peut déconcerter les amateurs de grandes bastons généralisées. Ce n’est pas tant ce que le personnage est capable de faire qui est au cœur de l’histoire, mais bien ce qu’il est réellement. Quelle est la part de délire et celle de vérité ? Pourquoi une grande partie de ses souvenirs a-t-elle disparu ? En quoi consiste exactement la dualité entre Sentry et Void ? Nous sommes ici face à une interrogation existentielle et psychologique poussée, incarnée notamment par le personnage du psychiatre, qui joue un rôle fondamental. Il permet d’explorer les méandres d’une psyché tourmentée tout en jouant habilement avec l’histoire des comic books Marvel, dans une sorte d’interpénétration continue entre l’univers de fiction que nous connaissons depuis des décennies et le monde réel supposé qu’on nous propose ici comme contrepoint. Un exercice d’équilibrisme narratif plutôt réussi, à mes yeux, pour ce qui demeure l’un des meilleurs travaux de la carrière de Paul Jenkins. Au dessin, il est épaulé par John Romita Jr., généralement bien plus à l’aise dans les scènes grand-guignolesques, pleines d’explosions, d’action et de violence. Ici, Romita doit souvent composer avec des moments plus statiques, des échanges verbaux, et pourtant il s’en sort avec les honneurs. Ceux qui apprécient son style devraient y trouver leur compte, même si l’on reste un ton en dessous de ses grandes réussites sur Daredevil ou Spider-Man. Ce Sentry-là est un héritage de ce que Marvel a pu produire au début des années 2000, une époque de grande liberté créatrice qui a permis, en quelques années, de redresser spectaculairement une compagnie que l’on croyait alors sur le point de disparaître. Avec toutefois cette certitude un peu amère : un personnage aussi fascinant, mais aussi puissant (un dieu, en quelque sorte), ne peut que devenir encombrant dès lors qu’on tente de l’utiliser de façon stable et continue dans un microcosme super-héroïque déjà bien établi.

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BATMAN DARK PATTERNS AFFAIRE UN : L'HOMME BLESSÉ

 Batman n'est pas seulement un super-héros chargé d'affronter les vilains les plus horribles et démoniaques de l'univers DC Comics. Ce n'est pas non plus uniquement un playboy qui s'habille avec du lycra, un masque et une cape, pour aller tabasser les criminels durant la nuit. C'est au départ un détective dont le sens de l'observation et de la déduction lui permettent de résoudre les cas les plus épineux, même ceux pour lesquels la police est clairement dans l'incapacité de fournir une issue positive. Avec Dark Patterns, nous allons découvrir quatre affaires différentes, à dimension humaine, qui vont être publiées dans des albums séparés, qui contiennent trois épisodes. La première affaire s'intitule l'Homme blessé et elle ne manque pas de piquant (jeu de mot fort modeste, il faut lire pour comprendre). L’histoire s’ouvre sur un monologue intérieur de Batman, où il est question des gamins de Gotham qui jouent au torero sur les rails du métro (beaucoup y laissent la vie, mais ils recommencent sans cesse), puis de chiens féroces qui errent librement dans les rues, relâchés par des habitants persuadés de les avoir "sauvés". Le message est clair : les gens ne veulent pas changer. Ils s’accrochent à leurs habitudes, aussi sombres soient-elles. Et d'emblée, il y a le dessin, signé Hayden Sherman, qui est loin d'être l'artiste le plus consensuel sur le marché. Son approche colle parfaitement à l’atmosphère du récit, et cet accord se confirme avec le "méchant" doté d'une apparence singulière et efficace. Le style, très marqué années 1980,  s’accorde étonnamment bien avec la noirceur réaliste de l’intrigue. Batman y est représenté dans un costume vulnérable et vintage, sans aucune armure. Une balle suffit pour le blesser réellement. Il peut aussi se faire tabasser par un simple groupe de citoyens en colère, comme cela se produit à un certain point. On est à des années lumière du héros qui défie et terrasse Darkseid ou Bane. Nous ne sommes pas très loin de Un Long Halloween, pour ce qui est des enjeux, avec la présence d'un tueur en série énigmatique, qui a déjà laissé trois victimes derrière lui. Un élément très particulier le distingue : le meurtrier cherche à infliger à ceux qu'il a choisi la douleur la plus intense, biologiquement possible. Dents arrachées, yeux crevés, des épines partout dans le corps, c'est assez choquant !

Si pour le GCPD, aucune piste ne semble de dessiner, Batman parvient à comprendre ce qui peut unir les trois premières victimes, et donc à anticiper les suivantes. D'autant plus que durant son enquête, qui le porte à investiguer dans les bureaux du premier individu assassiné (un avocat à succès), le héros affronte une escouade de vigiles, indice certain d'un complot plus vaste. Finalement, Batman identifie la prochaine cible du tueur, qui semble suivre l’ordre alphabétique d’une liste d’hommes ayant perdu un proche. Bruce attend donc l’assassin devant l’appartement du malheureux et va se retrouver nez à nez avec un homme dont le corps est couvert de clous, de pointes et de lames. Batman s’apprête à intervenir mais il comprend qu’il ne peut frapper nulle part. Chaque objet planté dans le corps du tueur est positionné de façon à ce qu’un coup porté le déplace — et que ce déplacement provoque sa mort. Batman ne peut rien faire sans transgresser sa règle : ne jamais tuer. Et ce n’est pas tout : l’homme ne ressent apparemment aucune douleur. Cette absence de sensations est la clé de cette première enquête, qui va emmener le héros jusque dans les banlieue pavillonnaires de Gotham, là où on n'a pas l'habitude de le voir en tenue. Dan Watters suscite l'adhésion avec une enquête où la tension est constante et savamment dosée. L’idée d’un ennemi que Batman ne peut frapper sans le tuer est une manière brillante de retourner contre le Dark Knight son propre code moral. L'album peut sembler un peu léger, du fait de sa faible pagination, mais la qualité de l'ensemble est indéniable, et pourrait même bien réconcilier ceux que le Batman intouchable de certaines histoires trop héroïques pour être honnêtes a fini par rebuter.

 

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